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Se esiste un movimento artistico che chiunque riconosce e ama — anche chi non ha mai messo piede in un museo — quello è l'Impressionismo. Le ninfee di Monet, le ballerine di Degas, le feste en plein air di Renoir: sono immagini entrate nell'immaginario collettivo mondiale, riprodotte su milioni di poster, tazze e cartoline. Eppure quando nacque, nel 1874, l'Impressionismo fu accolto con derisione e scandalo. I pittori che lo fondarono furono rifiutati dai Salon ufficiali, criticati dalla stampa e incompresi dal grande pubblico. Il termine stesso “impressionismo” nacque come un insulto. E da quell'insulto nacque una rivoluzione che avrebbe cambiato per sempre la storia dell'arte occidentale.
Per capire l'Impressionismo, bisogna capire il contesto da cui nacque: la Parigi di metà Ottocento, dominata dall'arte accademica e dal Salon, la grande esposizione annuale che rappresentava l'unica via ufficiale per un artista di ottenere riconoscimento e vendere le proprie opere. Il Salon era controllato da una giuria rigida e conservatrice che premiava la pittura di soggetti storici, mitologici e religiosi, eseguita con tecnica impeccabile e finiture lisce, senza segno di pennello visibile.
Nel 1863 Napoleone III, travolto dalle polemiche per le troppe opere rifiutate dalla giuria, istituì il Salon des Refusés: un’esposizione parallela dedicata alle opere rigettate. Fu qui che Édouard Manet espose La colazione sull’erba, un dipinto che scandàlizzò profondamente il pubblico e la critica non tanto per il soggetto (una donna nuda in mezzo a uomini vestiti) quanto per il modo in cui era dipinto: senza chiaroscuro tradizionale, con colori piatti e pennellate visibili, in aperto rifiuto delle convenzioni accademiche.
Due anni dopo, lo stesso Manet suscitò ancora più scalpore con Olympia, che pose le basi per la nascita del nuovo movimento. Intorno a Manet si raccolì, nel caffè Guerbois di Parigi, un gruppo di giovani artisti che condividevano la stessa insofferenza per l'arte ufficiale: Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley, Cézanne.
Il 15 aprile 1874 è convenzionalmente considerata la data di nascita dell'Impressionismo. Quel giorno, nello studio del fotografo Félix Nadar sul Boulevard des Capucines a Parigi, aprì la prima mostra collettiva della Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs: 175 opere di 30 artisti, tra cui Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley e Cézanne.
Il critico Louis Leroy vide la mostra e scrisse una recensione devastante sul giornale satirico Le Charivari. Guardando il dipinto di Monet Impressione, levar del sole — uno scorcio del porto di Le Havre all'alba, eseguito con pennellate rapide e colori vibranti — scrisse con sarcasmo che anche la carta da parati era più rifinita di quei lavori, e definì la mostra “degli impressionisti”. Il termine era un insulto. Gli artisti lo adottarono come nome del proprio movimento.
La mostra del 1874 fu un disastro commerciale ma un evento rivoluzionario nella storia dell'arte.
Al di là della storia e degli aneddoti, l'Impressionismo è prima di tutto una rivoluzione tecnica e percettiva. Le sue caratteristiche distintive segnano una rottura netta con la pittura accademica precedente.
La pittura en plein air: Gli impressionisti dipingono all'aperto, di fronte al soggetto, catturando la luce naturale e le condizioni atmosferiche nel momento stesso in cui cambiano. Questo era reso possibile da un'innovazione tecnica apparentemente banale ma fondamentale: l'invenzione del tubetto di colore a olio (1840), che permise per la prima volta di trasportare i colori fuori dall'atelier senza che si seccassero.
La pennellata visibile e rapida: Invece di nascondere il segno del pennello sotto strati levigati di colore, gli impressionisti lo mostrano con orgoglio. Pennellate brevi, veloci, energiche: sono il segno di un gesto che vuole catturare l'attimo prima che la luce cambi.
La luce come soggetto principale: Per gli impressionisti il vero soggetto di un dipinto non è l'oggetto rappresentato ma la luce che lo illumina in quel preciso istante. Monet dipinse più di cinquanta versioni della Cattedrale di Rouen, sempre dalla stessa prospettiva, lavorando solo quando la luce era quella giusta — a volte solo quindici minuti al giorno. Non interessava la cattedrale in quanto edificio storico, ma come superficie che trasformava la luce.
Le ombre colorate: Una delle rivoluzioni più radicali dell'Impressionismo è l'eliminazione del nero per le ombre. Gli impressionisti si accorsero che le ombre nella realtà non sono nere ma colorate, influenzate dalla luce ambiente e dai riflessi dei colori circostanti. Un’ombra su neve è blu-viola; un’ombra su erba verde ha riflessi arancioni. Le ombre colorate degli impressionisti creano una vibrazione luminosa che la pittura accademica non aveva mai raggiunto.
I colori giustapposti: Invece di mescolare i colori sulla tavolozza per ottenere toni intermedi, gli impressionisti giustappongono spesso colori puri vicini tra loro, lasciando che l'occhio dello spettatore li mescoli otticamente a distanza. Questa intuizione anticipa di qualche anno le teorie scientifiche sulla percezione del colore di Chevreul e Helmholtz.
I soggetti contemporanei: Gli impressionisti abbandonano la pittura di soggetti storici, mitologici e religiosi preferita dall'accademia e dipingono la vita contemporanea: le feste sulle rive della Senna, i caffè parigini, le corse di cavalli, le ballerine all’Opéra, le stazioni ferroviarie, i giardini, il mare.
L'Impressionismo non fu un movimento omogeneo con un programma condiviso, ma un insieme di personalità molto diverse unite dal rifiuto dell'accademia e dall'amicizia.
Claude Monet (1840-1926): Il più impressionista degli impressionisti, il pittore della luce per eccellenza. Dedicò tutta la vita a catturare le variazioni luminose su superfici diverse: l'acqua, la neve, le cattedrali, i campi di papaveri, le ninfee del suo giardino di Giverny. Le serie pittoriche — stessa scena dipinta decine di volte in condizioni di luce diverse — sono la sua invenzione più rivoluzionaria.
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919): Il pittore della gioia di vivere. I suoi dipinti celebrano la bellezza della vita quotidiana parigina: feste, balli, ritrovi, la luce che filtra tra le foglie sui volti delle persone. La sua tavolozza è calda e luminosa, influenzata dall'arte veneziana di Tiziano e Veronese.
Edgar Degas (1834-1917): Il più atipico del gruppo: non dipinge en plein air, lavora in atelier, usa molto il disegno e non elimina il nero. Il suo soggetto è il movimento colto di sorpresa — le ballerine dell’Opéra, i fantini, le lavandaie — con tagli compositivi influenzati dalla fotografia e dalle stampe giapponesi.
Camille Pissarro (1830-1903): Il più politicamente impegnato del gruppo, pittore di paesaggi e scene contadine. Fu il mentore di Cézanne e Gauguin e l’unico a partecipare a tutte e otto le mostre impressioniste.
Alfred Sisley (1839-1899): Il più fedele alla pittura di paesaggio puro, in particolare alle scene di neve e di acqua della campagna francese. Meno celebre degli altri in vita, è oggi considerato uno dei più lirici del movimento.
Berthe Morisot (1841-1895): La principale figura femminile del gruppo, cognata di Manet. I suoi dipinti di vita domestica, giardini e figure femminili hanno una qualità di pennellata leggera e vibrante tra le più raffinate dell’intero movimento.
L'Impressionismo non fu solo un movimento in sé: fu la porta attraverso cui passò tutta l'arte moderna. I pittori post-impressionisti — Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Seurat — partirono dall'Impressionismo per spingersi in direzioni completamente diverse, ciascuno sviluppando le sue intuizioni in modo radicale e personale. Senza l'Impressionismo non ci sarebbero stati il Cubismo, il Fauvismo, l'Espressionismo, l'Astrattismo.
L'Impressionismo insegnò al mondo che un dipinto non deve essere una finestra sulla realtà, ma un oggetto autonomo che esprime una percezione soggettiva. Che il colore non serve a descrivere ma a emozionare. Che la luce è il vero soggetto di qualsiasi paesaggio. Sono intuizioni che appartengono ancora oggi a ogni artista che dipinge all'aperto, che usa pennellate visibili, che lavora con colori vibranti invece di mescolare tutto fino all'opacità.
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